《美术关注》著名书画家李海专访

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李海，山东淄博人。1966年生人

2003年毕业于中央美术学院油画系硕士研究生课程班。

2004年《都市宠物》系列在中央美院展厅展出。

2007年上海雨虹画廊举办个人展览，作品多幅被收藏。

2007年参加＂保利国际拍卖会＂作品＂干花＂系列被收藏。  

2008年台南雅林美术馆举办个人展览，作品多幅被美术馆收藏。            

2009年作品《钻石婚》入选 “第十一届全国美展” 。

2010年作品＂秋荷＂系列被韩国、美国、日本等收藏机构收藏。

2011年日照博物馆举办“故乡情”李海油画展览。

2011年作品＂黑礁＂被日照博物馆收藏。

2012年作品＂梦荷＂系列被中国、台湾、德国等藏家收藏。

2013年作品＂葵园秋语＂系列被中国、德国收藏机构收藏。   

2014年希尔顿酒店罗西艺术空间举办“葵园秋语”系列展览，作品多幅被收藏。                       

2014年作品“梦石系列”参加炎黄艺术馆亚洲艺术展。

2014年作品＂钻石婚＂荣获南京国际美术展铜奖。

不同时期的作品被海内外多家艺术机构及个人收藏家收藏。

作品发表在：＂李海的油画世界＂＂美术＂"中国油画""美术关注""中国收藏""度"等刊物。

现任北京齐鲁书画院副院长。

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峨庄印象作品

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《美术关注》李海专访

采访时间：2007年10月13号
采访地点：雅之林画廊（台湾雅林）
采访整理：任彦

任彦（以下简称“任”）：您什么时候开始接触绘画的，简单谈谈您的从艺经历好吗？
李：我从小就喜欢画画，总爱在课本上涂鸦，后来在一个工厂里工作，十八岁时开始正规训练，边工作、边学画、边复习文化课，后来考取了山东曲阜师范大学美术学院，师从于毛岱宗、姚勇老师。2001年考取中央美院油画系十二届硕士研究生课程班，跟随詹建俊、李延州、杨飞云等先生学习。
任：之前看过您的作品，感觉很特别，您追求的是怎样一种创作风格呢？
李：早期我也画过一段比较写实的作品，之后对抽象作品也产生过浓厚兴趣，最近几年经过长期的实践和思考，觉得应立足于本土文化，尽力把东西方的绘画理念融合在一起，追求一种言有尽而意无穷的画面表达方式，基本上算是意象表现主义吧。
我认为画面上有一些抽象的因素更具神秘感，能给观众更多的启发，留一些思考的余地，就是画外音。题材、灵感离不开自然，但我不愿去复制自然，画家应该从自然中得到启示，创作出一种新东西，我想艺术的生命力就在于创新。
我的艺术表现手法不完全抽象，也不完全写实。我喜欢看考古发掘的电视节目，最感兴趣的是出土前半隐半露的那个阶段我认为最好。我在画面表达上就追求这种感觉，所寻找的就是这样的一个点。以写实的部分引导观众进入画面，然后利用抽象的因素给观众留下想象的余地。

任：那么您的梦石系列，来自怎样的创作灵感呢？
李：这一切都源于一个很偶然的梦。梦石之一，来自这样一个启示：有一天夜深人静，我独自一人背窗而坐，对着一个刚绷好的画布寻找思路。突然听到背后有种声音，莫名其妙像是幻觉，有一块巨石，从楼下经窗前缓缓划过，慢慢升空，冲击力极强，这让我很震撼……只见巨石上有似是而非的花鸟鱼虫图案、自然流淌的色彩、线条，都很吸引我，这让我产生了很强的创作冲动。眼前这一幕很具超现实主义色彩，这一点也是我非常喜欢的。
任：那么您刚开始创作时就准备把它画成系列，还是只想用一幅来表达当时的想法呢？
李：画第一步时，没想太多。画完第一张感觉力度还不够，想深入挖掘这一题材中深层次的东西。后来走了很多地方，比如沂蒙山、十渡大峡谷等等。我常到大山深处那些无人烟的地方，观察悬崖峭壁，也包括采石厂刚开采出的石头，有的是上亿年的断层，里面留有古生物的痕迹，那些自然形成的图案、色彩，都很奇妙，让我震撼。目前为止这个系列画了十几张，现在还在继续……这也是这几年主要的研究方向。
任：您常外出写生，这期间您感触最深的是什么？您最想与人分享的是什么？
李：我的创作灵感常常源于自然。感谢上帝创造的这一切，让我有取之不尽、用之不竭的灵感和资源，这是在画室里无法乞及的。最想与人分享的是通过我的画面展示上帝创造的美丽大自然。
任：除了画画，您还有其他爱好吗？这些爱好对您的艺术创作有何潜移默化的影响？
李：听音乐。我比较喜欢时尚音乐，比如说周杰伦的歌。我认为音乐不分年龄，在画室常伴着音乐画画，也常从音乐中获取灵感进行艺术创作。艺术是共通的，绘画和音乐同样有着纯粹艺术的单纯和高贵，享受着生命中属于灵魂的持久美丽。周杰伦的歌比较平和，低高音变化不是很大，只是很平和的调子有一些微弱的变化，我觉得这样听起来很舒服，有助于我的创作，就像画面中色彩的微差，带给你一种和谐的美感。在课堂上，我常和学生聊音乐，然后慢慢贯穿入画。我之所以喜欢周杰伦，是因为他的音乐里一些含糊不清的歌词，或许是有意的，或许他的国语本来不是太好，歌听起来更具悬念和神秘感，这就是我画面中所追求的“似是而非”、“若隐若现”吧。呵呵……
任：谈谈您下一步的艺术探索方向。
李：目前还在继续梦石系列，也穿插一些风景的写生，以后会有其他方面的探索。我不喜欢重复古人，也不喜欢重复自己。力求每幅画都有新的东西，我的梦石系列尽力做到不重复。

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峨庄印象笔记

  07年三次去峨庄写生的日子是难以忘怀的。家乡的变化、儿时的记忆、老乡的淳朴，把我的心融化在这里。近七十幅画，每幅都有着属于自己的故事。

     峨庄地处沂蒙山老区，那次重回沂蒙山，却有别样的感受。新农村的确变化不小，村里的年轻人很少，大多是老人孩子，后听说大都到城里打工去了，有些是搬到城里去住了。原先老式草房已属稀有，被夺目的红瓦房包围其中，同去写生的朋友，有些专去画那草房子，有的偏爱那艳丽的＂红＂，我在一旁注视着＂红＂、＂灰＂并置在一起的妙处。

     有件事倒是很有意思。那天我看好一处景，三间草房的一个院子，被许多两三层小楼环绕着，这灰色倒显得突出了，我刚支好画架，＂这是我家＂有人在我身后突然来了这么一句，吓我一跳，我答应了一声，看见那人：穿一身青棉衣蹲在地上，脸上都是皱纹，看着眼熟，一下想起了相声演员唐爱国说的那个＂懒汉＂，后听他们说，那人是个老光棍，不愿干活，年收入三百元左右，他自己倒也很满足。他全天候陪着我，直到太阳落山。

    有几幅雪景可以说是用命换来的。

    画雪景去了叫＂上端士＂的村子。村子在山的阴面，阳光照射少，故积的雪多。写生基地的肖老板，开着三轮车（他们叫“小蹦蹦”）把我送到山下，他晚上来接我时，寻了很久才在村子的顶端找到我。他还是开着那“小蹦蹦”来的，可往下走时却犯了大难，斜插下去的“羊肠”小道上已结了冰，右边是山坡，左边却是几丈深的山涧。说真的，当时我真不想上这车，可看着肖老板热情的脸，还是硬着头皮爬上去，闭着眼睛向上帝祷告着，车晃晃悠悠的滑下山来......

    晚上回到基地，品尝着大餐，喝着当地的“柿子酒”，吃着从河里摸来的螃蟹，听着老板热情的话语，看着自己一天的“收获”，心被这一切融化了......

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平静的书写

与李海相识多年，其人热情豪爽，直言快语，体格健壮，精力过人，标准一“山东大汉”的形象。画画不知疲倦，其作品敏锐自信快意挥洒。但观其近期的《梦石》与《峨庄风景》两系列作品，却发现李海的画面变了，用朋友们的话来说就是：画面静了、“中国元素多了”。而李海自己也发现了这种变化，他说：现在自己观察事物时心静了，静静地看，静静地读，静静的体会。并谈到顾恺之的绘画造型、霍去病墓石雕的浑朴和大气。而在中央美院上学时，李海的画是比较“西化”的，喜欢苏丁、奥尔巴赫、德库宁。喜欢他们的激情、色彩、笔触、动感和画面的冲击力。认为学油画，就要地道、纯正，一心想成为中国的“德库宁”。                     

   其实中国的油画家们都会面临这一问题。我们学习过西方的古典主义、印象派、表现主义、以及现代西方绘画大师的形式与手法，研究过西方绘画的材料与技法。但是一味的模仿和跟随，即便学的像模像样，也只是解决了技术层面和手法样式的问题，而不是中国人的油画。油画在中国有着百余年的发展和演变，不仅仅是中国油画向西方学习的过程，也是西方当代艺术思潮与中国传统视觉文化互相碰撞融合的过程。中国油画当今面貌的确立，正是在东西方两大文化体系差异的背景形成的，而正是这种文化差异，造成今天西方强势文化对于话语权的掌控。这同时也激励着中国的油画家们去探究中国悠久的文化传统，找寻以本土文化为主体的话语体系。中国当代油画家都背负两个传统，一个是学院所教授的西方的油画传统，即西方的视觉文化；另一个则是中国传统视觉文化，它与我们的历史、政治、经济、文化生活紧密相连，直接影响我们的思维方式和观察方式，并影响到我们的日常生活。以徐悲鸿先生为代表的那一代油画家，在向西方学习的过程中，就已经对中国油画与本土的文化传统进行研究探索。新中国的成立，迎来了中国油画进行民族探索的一个高峰期。艺术家们在进行油画创作的同时，并没有停止对传统文化的探究。进入20世纪90年代，在经历了“八五”新潮，“八九”现代艺术大展之后，中国的油画家在对西方现代、后现代艺术的各种流派学习借鉴的同时，更加认识到民族传统文化的重要意义。不少油画家开始站在新的立场审视中国文化自身的传统和价值，在“精神性”和“方法论”层面上形成中国方式。在“全球化”的今天，文化艺术上坚持中国的文化价值和特色，从中国传统视觉文化中汲取营养，对确立以本土文化为主体的话语体系是非常重要的。李海近期系列作品的转变，“中国元素”的出现，既是他长期思考寻找的结果，更是其内心的需要和文化上的自觉。他在文章中也说过：应该立足本土文化，踏踏实实的走自己应该走的路。这是一种自觉的“融入”，而不是表面技巧和传统图像的简单挪用。其实李海绘画作品的转变，首先来自其思维方式和观看方式的转变，然后才出现了画面的转变。早在2003年他的毕业论文《有无之间》中，他就提到“似与不似，若隐若现，有无之间”的问题，并对此有了长期的思考和实践，《梦石》系列应该是这一思考和实践的结果。在《梦石》早期的作品《子夜它缓缓升空》中，画面中表现主义绘画的痕迹是很重的，笔触的交织，块面的转折，色彩的浓烈，画面的张力和视觉冲击，都没有脱离作者对西式“纯油画”的偏爱。从《梦石》到《梦石》系列五，画面逐渐平面化了，交织纠缠的笔触消失了，浓烈的色彩没有了，淡雅的色调出现了。画面中的石头从真实的再现转变为作者对历史和生命思考的载体。李海的绘画从对外在形式色彩的追求转入到对内心世界的寻找。《峨庄风景》系列则能更清楚的看到李海思考和实践的过程。系列的早期作品中，虽然注重了对传统元素的运用，写意性的进入，点线面的运用，但从构图和色调上看，以及空间的安排上，并没有离开西式油画的观看方式。当然，作为西方视觉文化传媒的油画，在中国已有百余年的发展和演变，在全球化的今天，不管我们愿意与否，已成为文化本身，成为我们的当代视觉文化和视觉经验的组成部分。我们不可能，也无法跳出世界历史语境讨论中国油画。但是我们可以考虑如何运用传统的视觉经验，借鉴传统的视觉文化，重新审视传统的文化价值，用中国人的眼睛去看世界，而传统的文化环境和生存空间应当进入我们的艺术视野。李海在谈到齐白石和八大的绘画时，看到了中国画的“妙”处，谈到了对“空”的运用、意境、简约和书写。李海画面中的真实空间开始向想像的空间转换。在《峨庄风景》系列十七中，大面积单纯的背景给人以空灵的感觉，“空”不是无，而是有，正如苏东坡所说：无一物处无尽藏，有山有树有楼台。《峨庄风景》系列之六十二，可以看到李海对中国书法和山水中字体、线条、运动所蕴藏的抽象性的借用，同时也启发了观者的想像力。其实我们在李海的《向日葵》系列中，就已经看到了他中国绘画元素的运用和把握。他的绘画中逐渐释放出一种松弛和自由，而这种自由和松弛是有前提的，因为他的自由发自内心需要。当他在考虑“有无之间”，关注传统绘画元素时；在他漫步山中，崖上的痕迹、壁上的神秘图案、山村新旧房舍的并置、都引起他的深深思考之时；当他发现自己观察事物时心静了，能静静地看、静静地读、静静地体会之时；当他发现说“画”要简洁时。这种发自内心的需要产生了。于是李海的画变了，“中国元素多了”，变的静了；静在内心的需要和文化上的自觉；静在自觉的“融入”，并在传统文化中汲取营养；静在逐步消减画面中他认为多余的东西。是的，李海正按照他所选择的内容，开始了一种新的书写方式——平静的书写。　　　　　　                                                        

                                                                                       　司继林　　
　　　　　　　　　　　　　　　　　                                2007年7月15 日于中央美院

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